Sunday, February 26, 2006

Orpheus Ascending


by Connor Freff Cochran

[This essay would have been impossible to complete without the help of my unofficial “big sister,” Karen Hogan, whom I sincerely thank.]


According to the stories he was the greatest artist of his time: A musician and singer beyond compare, a healer of the sick, a bold adventurer, a speaker of prophesies. When he sang, birds would come down from the trees and stand before him in rapt silence, listening. When he played, rivers would change their course just to come near. He was that good. And why not? In some of the tales he was fathered by the god Apollo, in others by Oeagrus, the human king of Thrace, but in all of them his mother was Calliope, the muse of epic poetry. For an artist that’s a hell of a bloodline.

His name was Orpheus, and of course he didn’t actually exist. He and his life are the stuff of myth (Greek myth, to be specific). But this lack of reality doesn’t make his story less powerful as a source of guiding principles — quite the opposite! Real life is messy, convoluted, contradictory. It’s not pure. In real life every hero has had villainous moments, and none of us wears a snow-white hat, no matter what we might like to think. Kurt Waldheim was secretary-general of the United Nations and later president of Austria, but during his youthful military service he collaborated with the Nazis occupying his country and turned a blind eye to genocide. According to many of the people who worked for him, “Uncle” Walt Disney, the shining public icon who gave us Mickey Mouse and the Magic Kingdom, was, in private, an alcoholic anti-Semite who was given to fits of rage, feelings of betrayal, and a weakness for petty revenge. That’s just the way it is inside these human suits. We are good and bad in an ever-changing, always complicated mix. Even the Dalai Lama has his dark side, somewhere. I’d bet on it.

One reason we tell stories is to clear all that confusion away and get to the heart of things. In that sense, myths are a kind of macroscope. They open up an unobstructed (if metaphorical) view on human truths.

For all its bright beginning, the story of Orpheus is a tragedy. At the height of his acclaim and abilities he falls deeply in love with the beautiful nymph Eurydice, and immediately marries her. While this seems like it should be a good thing, it isn’t. Life, even mythical life, turns on narrow hinges, and fate has something other than happiness planned for this couple.

There are many different versions of what happens next, but they all share the same nightmarish conclusion: far too young, and completely unfairly, Eurydice dies.

While bathing in a stream she is seen by a traveler named Aristaeus. Enflamed by her beauty, he tries to rape her. She runs…and is bitten by a venomous snake.

Mere moments after her marriage to the handsome Orpheus, she wanders away from the wedding party to gather flowers for the garland she will give him when they enter their conjugal bower. While he drinks and celebrates with their friends, unaware of her absence, she makes a single wrong step…and is bitten by a venomous snake.

The snake does not bite her. It is her companion. But she is only half-mortal, same as her husband, and connected through birth to the gods of the Underworld. Her time among the living has run its course, and love alone is not enough to keep her in Orpheus’s arms. Against all her preference, but in accordance with the will of greater powers, she leaves her briefly-shared home and goes to join the dead.

And thus Orpheus loses his only love. If this happened to you or to me, we’d be shattered. We’d cry and wail and curse the unfair world until we were too exhausted to cry or wail or curse any more, and then after some rest we’d start crying again. The pain would carve our hearts as thoroughly as any cow was ever cut to pieces in an abattoir. That’s what loss does to a human being.

I speak from experience, having lost both my marriage and a much-sought child in recent months.

Regular readers of Creative Options will remember that I was married in 1996, and that in 1997 my wife and I set out to begin a family. Like many older couples, however, we discovered that we faced fertility problems: in our case a fallopian blockage that made natural conception not just difficult, but impossible. The moon would fall out of the sky and tap-dance in Saskatchewan before we’d have a child without medical intervention.

This was not good news, and it came at a time when our marriage was undergoing considerable strain. But we weathered the shock, did our research, and set forth again on the reproductive quest — only this time with lots of expensive help. A whole plethora of doctors, nurses, specialist technicians, and consultants ultimately became involved over the course of two necessary surgeries and two rounds of IVF (in vitro fertilization). There were long courses of daily drug injections that my wife had to take, and I had to learn to give. There were numerous tests. There were hopeful, optimistic days and immensely depressing ones. There were good friends and true, all eager to help us, a surprising number of whom had already been down the IVF path. There were stress reduction classes, and an acupuncturist, and taking a single baby aspirin every day to promote capillary growth in the uterus, and prowling the Fourtility internet board for useful tips, and stocking the refrigerator with soy-everything after reading that soy in her diet would help keep my wife’s estrogen levels in the crucial proper range….

None of this was easy. But the shared effort seemed to be binding up some of the wounds in our marriage — an unexpected but welcome side effect — and there were other odd compensations, such as getting to know the exact date of conception. That lab procedure turned out to fall squarely on my birthday, which was so grand and sweet a coincidence I couldn’t help but take it for a sign.

You have to understand something here. My own childhood was pretty appalling. As a result I have dreamt of having a family the way most men dream of having power. I wanted a kid. More than one, if that’s what we wound up with. (IVF is chancy, so doctors tend to implant every viable embryo they get; that’s why the relative percentage of twins and triplets in IVF births is so high.) For years I’d mollified my need for progeny by being the best damn “Uncle Connor” I could be to my friends’ children. But this was different: If the implantation procedure worked I’d finally be part of a family, instead of just passing through.

It did work. Two weeks later my studio phone rang with news of the positive test results. I remember stumbling down the stairs and out onto Pasadena’s East Colorado Boulevard in a complete daze. By another coincidence it was the anniversary of the night my wife and I first kissed. Across the street from me I could see the church where we’d gone that evening, to enjoy a Halloween Haunted House, and I stood still and shaky in the midst of so much past and so much possible future, all crashing together in a single moment.

Nothing was ever going to be the same again.

Orpheus probably felt much the same way at the end of his wedding ceremony.

Modern science made it possible for my wife and me to conceive. It let us see a picture of our child as a just-fertilized egg, let us hear its pounding heartbeat as a growing fetus, let us see an ultrasound picture of it moving within my wife’s womb...and then modern science pulled the rug out by revealing that we hadn’t dodged the 1-in-23 chance of genetic disaster that went along with being 44 years of age. It was a boy, the doctors told us, but the amniocentesis results unequivocally showed that he had a condition called trisomy 21, more commonly known as Down syndrome. Such a simple thing — 47 chromosomes instead of the normal 46 — and such a horrible impact.

Some Down syndrome children have only mild retardation, and grow to maturity. Those are the ones you’ll see on television or in pictures. A greater number by far have major mental impairment and painful physical disabilities, including serious malformations of the heart, lungs, or joints that will kill them before they see their teens. An even greater number never make it to birth in the first place, but are instead lost in spontaneous miscarriages.

A report of trisomy 21 is not a mild verdict. It requires making a choice.

What others would do, faced with this situation, doesn’t matter. What you would do (or think you would do) doesn’t matter either. This is as bad as the responsibility to reach a decision can get, and in every case it is a completely personal matter. I wouldn’t dream of finding fault with anyone for the position they finally came to, no matter what it was or how it may have differed from ours.

We had discussed this situation in advance, as a hypothetical, and for many different reasons had reached the conclusion that we would not carry a Down syndrome infant to term. Now the nightmare was actually on us, with a hideous twist: our marriage was on the rocks. By the time the amnio results had come in we were separated and hovering on the edge of divorce. Perhaps unsurprisingly, it was pressure from the pregnancy itself that undid all the progress we had made in the previous months. The stakes were just too high, now. Every conflict, no matter how small, became a struggle over the direction of the rest of our lives. We were like two people who had traveled together to a shared destination, only to find, on arriving, that the remainder of our respective journeys didn’t converge at all.

I have always believed, in my own fashion, that human beings are more than just clever biological mechanisms. And I have never believed that life is something to be held onto (or created) at any cost. Sometimes the price is just too high. I could not, in loving conscience, condemn my son to the only future that genetics and a failed marriage would allow him. Neither could my wife. Sick at heart, we made the choice we felt was right and scheduled an abortion.

I have never known such pain as I felt on the day I brought my wife home from the clinic. There was no way for us to comfort each other. Our relationship was too far gone for that. She asked me to go away, turning to her girlfriends for additional emotional support. I left the condo, retreated to my studio, and wept.

A few weeks later we started the divorce paperwork.

For months now I have been grieving. “Grief,” a friend of mine once told me, “is the time it takes to believe that you have survived.” I’m not quite there yet, though every day I come a little closer. Because that’s what we do, here in the real world. It’s part of our contract with existence. Unless the anguish completely breaks us, eventually we accept the pain, heal, and move on.

Not Orpheus, though. In every version of the tale he refuses to let go of Eurydice. Death, to someone with his abilities and family connections, is not an insurmountable barrier. Without hesitating, carrying only his lyre, he descends through endless dark caverns and passageways in search of the Underworld. With one of his songs he buys passage across the River Styx in Charon’s ferryboat. Confronted by three-headed Cerberus, watchdog at the gate of the Underworld, he lulls the beast to sleep with his playing. Going even deeper he does the same with the three judges of the dead. Finally he steps boldly into hell, the only living man to ever do so.

The rulers of this twilight land are the god Hades and his mate, Persepehone. Impressed by Orpheus’s bravery, or perhaps just amused at this unique curiosity — a heartbeat and breath where there can be neither — they hear him out as he makes his plea in words and music. While he plays, all torment stops. Even the dead listen to him and weep. The sound of his lyre and voice sweep through the Underworld, and it is as if all Life has joined in the quest to reclaim Eurydice.

Moved despite himself, Hades tells Orpheus that the strength of his love and the beauty of its expression have won him what he seeks. He may return to the surface world unhindered, and he may take Eurydice with him.

But this is a myth, remember, so there’s a catch. A big one. Eurydice exists now only as a spirit, and spirits cannot survive mortal gaze. Orpheus must ascend in darkness to the world above, with Eurydice’s shade following him. When they step out together into the light she will be reborn in living flesh…but if he should turn and look at her before that, then he truly will lose her forever.

This one chance he has earned. There can never be another.

In the beginning the ascent is easy. His heart leaps for joy — soon, very soon, he and his bride will be together as they were meant to be. But over time, in the darkness, a small seed of doubt blossoms within Orpheus. What if Hades has lied to him? The Greek gods were not noted for their honesty. What if the cold and silent shade that brushes against him occasionally on the climb is not his beloved Eurydice, but some demon?

With every step this doubt grows stronger. Eventually it burns intolerably, consuming him. He can think of nothing else as he climbs. A hundred times he starts to turn and look, but stops himself, and each time his resolve and certainty weaken.

You can guess what’s next. When Orpheus finally reaches the glowing entrance to the upper world, mere seconds away from Eurydice’s resurrection, he falters. He knows he should step forward without hesitation, but that’s not what he does. Instead he turns. He looks, certain that Hades has tricked him…and discovers that all his doubts were wrong. For an instant that will haunt him until his own death, he sees his wife reaching for him, trying to hold on — and then she vanishes, condemned this time not by capricious fate but by his own lack of faith.

Like I said, a tragedy. But also an example to live by. For those of us returning to life after mortal disappointment or disaster, the story of Orpheus is a powerful lesson in dealing with despair. It has helped me more than once during my struggle to return to creative work, after months of emotional paralysis.

Consider the questions posed by the Orpheus myth. If you could change any one thing in your life, would you? If the power to do so came at a price, would you be willing to pay? And if your most fervent dream could only be achieved through meeting a challenge, how much suffering would you bear to win the day?

These are crucial questions for any of us, but especially for those living as artists. Loss is not the only thing that takes us into the Underworld. We repeat Orpheus’s journey every time we create. We descend into the unknown dark, seeking something we love, and do our best to carry that spark of creation back into the living world with us as we rise. It’s a fragile process, and every step of the way we are tempted to look, to second-guess ourselves, to make certain that what we think we are carrying really is the thing we sought. If we look too soon, though, as Orpheus did — if we stop short before the idea or dream is fully carried out of the dark — then that spark we love will never be realized. It may vanish or it may be still-born, but for certain it will never come to life.

Loss is a part of art and living, and so is letting go. Sometimes letting go is the right thing to do. Unlike Orpheus, it isn’t in our power to try and rescue the dead. Better to mourn and leave them to their rest.

But all those other times…those times when the spark is real, when light and life and hope are more than just a half-glimpsed fantasy…what a shame, then, to give in too soon; and how wrong to surrender to fear, when all we really have to do is keep climbing.


>>> A Creative Options essay by Connor Freff Cochran
Copyright (c) 2000. All rights reserved.


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Thursday, February 23, 2006

Sample Tipps #11


Drumloops wirken gelegentlich untight, obwohl das BPM-Tempo 100% mit dem Sequenzertempo übereinstimmt. Diesen Effekt bemerkt man meistens, wenn es einen Note-On MIDI-Befehl gibt und das Sample vom Sequenzer neu gestartet wird. Suchen Sie in diesem Fall für den Loop Schritt für Schritt einen besseren Sample-Startpunkt. Verwenden Sie diesen aber nur für diesen speziellen Song, bei einem anderen Titel kann es sein, dass dieser untighte Effekt nicht auftritt.

Finden Sie einen Loop, ganz gleich ob von Sample CD oder im Internet, den Sie unglaublich gelungen finden, aber dessen Instrumenten-Arrangement, Tempo oder Länge nicht mit den Erfordernissen Ihres Songs zusammenpassen will, dann probieren Sie zuerst samplerinterne Möglichkeiten aus, den Loop passend zu machen. Funktioniert nichts, dann versuchen Sie, den Loop mit Einzelsamples Ihres Archivs selbst zusammenzubauen. Die Groove-Vorlage haben Sie ja.

Haben Sie einen Loop ohne jeden Effekt, und Sie empfinden das als ein wenig trocken, dann fügen Sie einfach Effekte (z.B. Hall) dazu. Verändert das den Loop zu drastisch, dann nehmen Sie ihn mit Effekt auf und sampeln dann das pure Effektsignal. Kombinieren Sie anschließend im Sequenzer den trockenen Loop mit dem Effekt-Loop im genau gewünschten Maß.

Sample Tipps #10


Ethno-Samples (türkische Saz, balinesische Gongs usw.) klingen authentischer, wenn sie in originaler Skala gespielt werden. Eine normale Keyboardtastatur bietet nicht immer optimale Möglichkeiten dafür. Um trotzdem Vierteltöne o.ä. im Arrangement intergrieren zu können, ordnet man sich die Samples in einer nicht-westlichen Tonfolge an und übt ein wenig, um mit dieser ungewohnten Spielweise zurechtzukommen.

Holzblasinstrumente sind oft nur in sich intoniert. Haben Sie mehrere Halbtöne gesampelt und spielen auf der Keyboardtastatur Akkorde, kann das reichlich schräg klingen. Für authentische Wiedergabe belassen Sie lieber die originale Instrumentenstimmung und spielen z.B. Flöten auch nur monophon. Wollen Sie solche Instrumente polyphon spielen, korrigieren Sie für diese Fälle die Samplestimmung.

Besorgen Sie sich CDs, Cassetten oder Videos, bei denen Ethno-Instrumente in landestypischer Tradition eingesetzt sind. So bekommen Sie zumindest einen Höreindruck von Instrumenten, deren Namen manchmal schon schwierig auszusprechen sind. Versuchen Sie, charakteristische Merkmale der Spielweise nachzuahmen.

Mischen Sie Ethno-Instrumente mit synthetischen Sounds. Das wirkt besonders dann sehr eindrucksvoll, wenn Sie perkussive Instrumente, etwa eine Bouzuki, mit Flächenklängen kombinieren.

Sample Tipps #9


Sustain-Loops mit Cycle-Technik können steril wirken. Erzeugen Sie eine Kopie des Samples und schneiden den Anfang bis zum Loop-Start weg. Bringen Sie den Loop mit samplerinternen Parametern (LFO, Chorus etc.) in eine sanfte Bewegung und mischen das Ergebnis mit dem ursprünglichen Sample.

Wenn die Nahtstelle bei Loops deutlich hörbar ist, dann kann das an Instrumenten liegen, die an dieser Stelle einfach abgeschnitten werden. Kaschieren Sie diese Positionen, indem Sie zusätzlich ein passendes Einzelsample genau dort spielen.

Manche Samples rauschen, speziell in der Ausklingphase. Haben Sie keine Alternative, dann filtern Sie die Ausklingphase mit einer Hüllkurve. So reduziert sich das hörbare Rauschen. Oder Sie verwenden die Fade-Funktion des Sample-Editors.

Sample Tipps #8


Ihnen fehlt die zündende Idee für das etwas andere Sample? Rufen Sie einen Freund an, der sich ebenfalls mit Samplern auskennt, und berichten von Ihrer Arbeit. Oft hat ein Außenstehender spontan eine inspirierende Idee. Hören Sie also gut hin. Ist der Funke übergesprungen, brechen Sie das Telefonat sofort ab, gehen rasch wieder an die Arbeit und setzen die neue Idee direkt um.

Hängen Sie lustlos und ohne jede Idee und Antrieb vor dem Sampler herum, wollen aber trotzdem irgendwas damit machen, statt Zeit zu vertrödeln? Dann nehmen Sie die Bedienungsanleitung des Samplers zur Hand, schlagen dieses Buch an irgendeiner Stelle auf oder blättern in einem Sampler-Workshop-Artikel einer Fachzeitschrift. Obwohl Sie den Inhalt vielleicht zu kennen glauben, kann es passieren, dass Sie irgendwo hängenbleiben und einen Textabschnitt plötzlich mit anderen Augen sehen. Oder entdecken eine Funktion, die Ihnen bisher gänzlich unbekannt war.

Sample Tipps #7


Drumsamples können an Druck oder Klangfarbe gewinnen, wenn Sie zusätzlich zum Originalsample eine transponierte Version (z.B. um eine Oktave) verwenden. Um Stimmen zu sparen, können Sie das Resultat re-sampeln.

Erscheinen Ihnen Drumsamples in einem bestimmten Arrangement zu hart und prägnant, dann justieren Sie die Attackzeit und lassen den Toneinsatz eine Idee sanfter einschwingen.

Sollte es bei Songaufnahmen irgend möglich sein, dann triggern Sie akustische Drums zusätzlich mit MIDI-Pickups und zeichnen sie im Sequenzer auf. So haben Sie Alternativen zu den aufgenommenen Drumsounds, die mit Samples zumindest ergänzt werden können. Diese Methode gilt auch für Gitarren oder Blasinstrumente.

Wenn Ihre Drumparts ausschließlich mit Samples und im Sequenzer aufgenommen sind, kann das reichlich maschinell klingen. Da speziell Becken für einen Akustikdrumsound sorgen, beschaffen Sie sich solche Samples mit extrem langer Ausklingzeit. Dies verbessert den gesamten Drumsound spürbar.

Sample Tipps #5


Geloopte Samples mit rhythmischer Struktur wie Maschinengeräusche, Blätterrascheln oder Rainsticks können sehr atmosphärische Effekte erzeugen. Dazu steuert das Keytracking die Tonhöhe so, dass nur geringe Transpositionen ermöglicht werden. Mit längeren Einschwing- und Abklingzeiten können Sie subtile Klangveränderungen einblenden. Drastische versunkenes Schiff-Sounds bei tiefen Lagen oder Alien Gebrabbel im Diskant erreicht man bei normaler Pitcheinstellung. Sie können diese Klangeffekte auch normalen Flächensounds zumischen, was zu sehr spacigen und filmischen Atmosounds führt.

Sample Tipps #6

Sampeln Sie eine Phrase (Musik, Drumloop, Sprache usw.) und erstellen eine Kopie davon. Diese wird mit der Reverse-Funktion umgedreht und einem beliebigen Controller zugeordnet, etwa dem Modulation Wheel. Jetzt können Sie die Samples ein- und ausblenden und eine Art Bandmaschineneffekt simulieren, bei dem das Band abgestoppt und dann rückwärts gedreht wird.

Sample Tipps #4

Mischen Sie zu einem normalen Drum-Kit ein ultrakurzes Sample mit äußerst merkwürdigem Klang, Geräusch, Effekt. Setzen Sie dieses Sample gelegentlich im Rhythmuspart Ihres Songs ein und Sie erreichen beim Zuhörer eine überraschte Aufmerksamkeit.

Sample Tipps #3

Sampeln Sie alte analoge Synthesizer, und kopieren dann die Eigenschaften dieser Vintage-Instrumente in Ihrem Sampler. Schalten Sie die Anschlagdynamik für Lautstärke und Filter aus und steuern leichte Tonhöhen-Veränderungen damit. Alte Synthis haben solche Schwankungen. Stellen Sie die Betriebsart von Poly auf Mono um und benutzen die Portamentofunktion. So klingt Ihr Arrangment im Stil der 70er.

Sample Tipps #2


Kümmern Sie sich um bestehende Regeln für authentische Orchestrierung. Mit dem Sampler können Sie alle erdenklichen instrumentalen Arrangements erstellen. Es nützt Ihren Songideen, wenn Sie berücksichtigen, dass ein Flötist Luft holen muss, ein Gitarrist bestimmte Akkordlagen spielt und die Saiten mal vom Spieler weg, mal zu ihm hin angeschlagen werden. Ein Geiger setzt verschiedene Varianten für Vibratoeffekte ein. Vibraphon-Spieler greifen gelegentlich zu vier Schlägeln, zwei für jede Hand. Wertvolle Informationen finden Sie in zahlreichen Büchern, die mit Tasteninstrumenten nichts zu tun haben müssen, sondern als Arrangierbücher, Gitarrenschulen oder Percussion-Leitfaden in Shops und Bibliotheksregalen stehen. Je besser und umfangreicher Ihre Kenntnisse über diese Instrumente sind, desto authentischer und überzeugender werden Ihre Songs.

Sample Tipps #1

Steuern Sie Filter Cutoff mit der Anschlagsdynamik, besonders Samples akustischer Instrumente. Bei zunehmendem Tastenanschlag wird der Klang dann brillanter. Viele Sounds profitieren davon: E-Gitarre, Percussions, Mallet, Klavier und andere. Auch Synthsamples gewinnen so an Charakter. Die Auswirkung muss gar nicht gewaltig sein, oft genügen Nuancen.


Aus eBook "Sample This!", Copyright by Twilightpress

Know How: Brass Instruments (Part 1)


Trompete und Saxophon
- Instrumenteneigenschaften und Spielweisen -



Tonumfang Instrumente: Übersicht



Wenn virtuelle Trompeten und Saxophone authentisch gespielt werden sollen, dann muss man sich am originalen Spielbereich orientieren. Zur besseren Übersicht zeigt die folgende Abbildung die Instrumente im Zusammenhang mit anderen. Trompeten und Saxophone haben einen Stimmumfang von etwa 2 ½ bis 3 Oktaven.


Einsatz im Ensemble

Soll ein authentischer Ensemblesound erzeugt werden, dann setzt man das Arrangement in typischer Besetzung, z.B. für eine Big Band 3-5 Trompeten, 3-4 Posaunen, 2 Alt- und 2 Tenor-Saxophone und 1 Bariton. Man spricht dann von Mehrchörigkeit wie doppel- oder dreichöriger oder noch stärkerer Besetzung.



Big Band


Bei virtuellen Aufnahmetechniken hat sich das seperate Einspielen der Einzelinstrument bewährt, auch wenn es Mühe macht. Die Position der Instrumente im Stereobild kann sich nach dem entsprechenden Vorbild richten (Orchester, Brass Ensemble, Funk Band, etc.).

Das Quintett mit Trompete und Saxophon ist seit etwa Ende der 40er Jahre eine Standardbesetzung des Jazz, und manchmal gibt es auch insgesamt 5 oder mehr Bläser, auch im abwechselnden Einsatz. Beim Dixieland improvisiert die Trompete zusammen mit der Klarinette und Posaune. Im Jazzrock-Ensemble werden vor allem Saxophone eingesetzt, bevorzugt auch Sopran, und beim Art-Rock können es auch zwei Saxophone sein. Bei der Big Band werden die Instrumente mehrchörig eingesetzt und in Sections aufgeteilt, gespielt werden arrangierte Bläsersätze und improvisierte Solos. Bei der Standardbesetzung für Funk Music setzen die Bläser regelmäßig sich wiederholende Akzente mit einer Trompete, zwei Saxophone und einer Posaune. Im klassischen Orchester findet man, je nach Musikwerk, neben den anderen Blechblasinstrumenten meist zwei oder drei Trompeten.

Ensembles und Musikbeispiele: Earth, Wind & Fire, Power of Tower, Cameo, Frank Zappa, Chicago, Michael Jackson, Alan Parsons, Prince, Brian Setzer, Cherry Poppers, Mojo Club Jazz, Laszlo Shifrin, John Williams, Alan Silvestri, Toto (#fortsetzen#)

Mission Impossible, Star Trek





Trompete

Trompetentypen gibt es viele, verschieden konstruierte Mundstücke ebenfalls und allein diese Voraussetzungen sorgen für eine breite Klangvielfalt von der Bach-Trompete bis zu speziellen Jazz-Modellen und Instrumentenvarianten, die für bestimmte Stilrichtungen besonders geeignet sind (Latin oder Spanish Trumpet u.a.). Dazu Sonderformen wie Flügelhorn und Kornett, das häufig im Jazz und Blasorchester eingesetzt wird und längere Bögen als die Trompete hat. Auch die Fanfare ist eine Trompete, mit einem langgestreckten konischen Rohr und meist ohne Ventile. Für den Klang einer Trompete ist neben der individuellen Bauweise und Grundstimmung speziell das Kesselmundstück verantwortlich. Es gibt sie in verschiedenen Formungen und Trompeter haben ihre individuellen Vorlieben, was auch mit den anatomischen Voraussetzungen jedes Einzelnen zu tun hat. Jazz-Trompeten haben manchmal kegelförmige Mundstücke.



Spieltechnik: Lippenanpressdruck und Luftsäule


Die Länge der Luftsäule im Rohr nennt man Mensur, die ist bei der Trompete kurz und dabei hat das Rohr einen engen Luftdurchlass. Beim Anblasen wird die Luft in das Rohr gepresst. Durch die Luftrückkehr entsteht ein Innendruck in Gegenrichtung. Mit dem Blasdruck werden dynamisch die Lautstärke und Obertonverhalten gesteuert und die Spieler gehen mit ihrem Luftvorrat ökonomisch um. D.h. sie geben gelegentlich Gas und bremsen immer wieder ab, was im Zusammenhang mit dem Songkontext organisiert wird. Die Tonhöhe eines Einzeltons wird entweder beim Blasansatz oder beim Halteton gemessen. Normalerweise überbläst man den Attack (Intensität je nach Bedarf) und der Halteton entspricht dann der Ensemble-Stimmung (z.B. A= 440 Hz). Die Grundstimmung kann bzw. muss der Spieler an das Ensemble anpassen (siehe auch Brass Section und Temperierung). Dazu wird das Mundstück etwas vor- oder zurückgeschoben. Für die Intonation des Instrumentes gibt es einen Stimmzug. Höhere und höchste Register zu spielen fordert dem Trompeter einiges ab und so kommt es häufig vor, dass manche hohen Töne „verstimmt“ jedoch nicht falsch klingen und es kann zu gewollten oder auch nicht immer gewollten Überblaseffekten kommen.

Mit den Ventilen wird Einfluss auf die Tonhöhe genommen, und zwar für die Töne, die man nicht per Mundstück formen kann. Basierend auf der Grundstimmung und der Notierung bezeichnet man Trompeten mit zum Beispiel mit C und B.



Einsatz der Ventile für Tonbeugungen


Mit Trompeten lassen sich Naturtöne spielen, dabei liegen unten die Töne weiter auseinander. Für Naturtöne werden keine Ventile benutzt. Bei den Naturtonreihen findet man die per Naturgesetz definierten Obertöne. Durch Veränderung der Lippenspannung und Anblasdruck können die Schwingungen der Luftsäule im Rohr vervielfacht werden und der Spieler springt von einem Teilton zum anderen. Beim ersten Überblasen schwingt die Luftsäule zweimal, beim zweiten Überblasen dreimal usw. Für die Klangvariante „Muted Trumpet“ wird ein Dämpfer (Metall) eingesetzt. Die gibt es in verschiedenen Formen wie Straight, Harmon und Plunger. Mit ihnen werden mehrere Effekte erzeugt, darunter die Lautstärkeverminderung mit Obertondämpfung (Straight), oder für einen dünnen, metallischen Ton (Harmon Mute) sowie Wha-Wha-Effekte (Plunger).

Beim Legatospiel (gebunden und ohne erneuten Zungenstoß) wird der prägnante Anblaseffekt unterdrückt und häufig die Lautstärke im dynamischen Verlauf verändert. „Kiekser“ werden durch das kurze Ansprechen eines falschen und dem gewollten Ton naheliegenden anderen Teiltons erzeugt. Andere typische Spielarten sind Triller (Ventil, Lippen), gebundene Phrasen bei denen bestimmte Töne mit der Zunge „markiert“ werden, Flatterzunge. Der „Shake“-Effekt ist ein Lippentremolo zwischen benachbarten Naturtönen. „Fall“ ist das Fallenlassen des Tones, was hin und wieder am Ende einer Phrase als Effekt eingesetzt wird.

Instrumentalisten und Musikbeispiele: Miles Davis, Til Brönner, Temptations, Valensia, Beatles





Saxophon

Es gibt 4 Grundtypen: Sopran, Tenor, Alt und Bariton. Damit ist der Spielbereich beschrieben, wobei sich die Typen jeweils überlappen. Deren Klangcharakter unterscheidet sich ebenfalls: Das Bariton ist ziemlich derb, Alt relativ warm, das Tenor kräftig und kann hohe Quietscher und das Sopran singt am besten. Der Tonumfang beträgt bei den meisten Instrumenten wenigstens zwei Oktaven plus eine Quarte, hohe Töne erhält man durch Überblasen und durch viel Anblasdruck, der bei tiefen Tönen geringer ist, dafür aber mehr „Luft“ enthalten kann.


Standardmodelle Bariton bis Sopran

Das Rohrblatt-Mundstück ähnelt dem einer Oboe oder anderen Holzblasinstrumenten, ist aber kürzer und breiter. Es gibt zahllose Mundstückmodelle in unterschiedlicher Stärke und Materialien (Verbrauchsartikel). Die Instrumente selber sind ebenfalls in vielen Varianten und Grundstimmungen erhältlich und gehen auch über die o.g. vier Basis-Gruppen hinaus (Subkontrabass, Kontrabass, Sopranino).

Das Rohrblatt wird vom Anblasen des Spieler in Schwingung versetzt und diese sich auf die Luft in der Instrumentenröhre übertragen. Hohe und höchste Töne werden nicht immer leicht getroffen und so kann es zu Tone Bend Effekten kommen, gewollt oder nicht gewollt, sowie zu Überblaseffekten.

Instrumentalisten und Musikbeispiele: Charlie Parker, Sting, Foreigner, Pink Floyd, John Coltrane, Steve Cole, Hall & Oates, Yello, Collosseum, Supertramp, Kenny Loggins

Baker Street, George Michael: Careless Whisper

Einsatz im virtuellen Ensemble

Besonders die ständig schwankende Lautstärke kann im Note-Editor manuell berücksichtigt werden. Legatoeffekte erreicht man auch mit sich ein wenig überlappenden Noten, und dann ohne Mono Play Mode. Legato ist eine Spielanweisung und davon gibt es mehr, z.B. staccato (kurz), marcato (Akzent) und tenuto (breit).






Literaturverweis

- Musikinstrumente der Welt, Orbis
- Neue Allgemeine Musiklehre, Christoph Hempel, Schott
- Reclams Musikinstrumentenführer, Ermanno Briner, Reclam
- The Guide to MIDI Orchestration, Paul Gilreath, Musicworks
- Thema Musik: Musikinstrumente, Felix Janosa, Klett
- The Reel World, Jeff Rona, Miller Freeman Books






Internet Resources

Saxophon:
Heymos Quick Tips www.humantouchmusic.de/qtipps/
saxophone.com www.saxophone.com
Saxophon Tips www.saxophontips.de
Michael Debrand Passard Sax-Tips http://michael-debrand-passard.de/01_sax_&_jazz.htm
Nadjas Saxophon Site www.saxophon-page.de.vu
Tigersuche Saxophon Informationen www.tigersuche.de/in/Saxophon_9055.html

Trompete:
Trompetenforum www.trompetenforum.de
B-Flat Trumpet Instructions www.bflatmusic.com
Pops Trumpet College www.bbtrumpet.com
Trumpet Studio www.trumpetstudio.com
O.J.´s Trumpet Page http://abel.hive.no/trumpet/
The Comeback Trumpeters Guide http://abel.hive.no/ctg/
The Bach Loyalist www.thebachloyalist.freeservers.com/newtrumpet.html






Irrtum vorbehalten.

All rights reserved. Copyright Klaus P. Rausch, 2005.

Behind the Strings: Making of Lautmalerei -Orchestral Wild Takes- Sample Library

Orchestersamples zählen zu den besonders gefragten Klängen für Filmmusik, Computeranimation oder Sphärisches. Speziell die Eigenschaften des großen Klangkörpers eines kompletten Orchesters, die sehr variantenreichen Spielarten der Streichinstrumente sowie die einzigartigen Reflexionen eines großen Konzertsaals lassen sich mit Elektronik kaum befriedigend nachbilden. Allein die bei Filmleuten sehr gefragten Orchesterercluster sind unmöglich mit Samples so herzustellen, hier muss also das komplette Original-Orchester her.

So haben wir von Back In Time Records uns entschlossen, fertige Orchesterphrasen zu konzipieren, in sinnvollen Kategorien zu ordnen und praxisgerechte Elemente nach dem Baukastenprinzip für eine CD-ROM zusammen zu stellen. Für die Realisierung der Aufnahmen und späteren Editierung der Samples fiel schnell der Entschluss, ausschließlich Spezialisten mit genügend Erfahrung auf diesen Gebieten zu betrauen. Die später folgenden Aufnahmen zum Beispiel wurden von Wilbert Hirsch (u.a Komponist für An American Werewolf in Paris und Mute Witness)dirigiert, der auch die Phrasen komponierte. Er ist ein geübter Filmmusik-Komponist mit zahllosen Referenzen und weiß, worauf es gerade da ankommt. Das Sample-Editing schließlich wurde kurzerhand zur Chefsache erklärt und vom Back In Time Records Labelchef Klaus P. Rausch selbst vorgenommen.

Aber zuerst mussten geeignete Orchester und Aufnahmeräume gefunden werden und natürlich eine Idee, wie man die Orchestermusiker dazu bringt, die einzelnen Musikelemente nicht nach Schema F, sondern mit richtig viel Ausdruck und Dynamik zu interpretieren. Nach ausführlicher Recherche fiel die Wahl am Ende auf drei speziell für diese Zwecke geeignete Orchester, die jeweils in Budapest, Prag und Warschau aufzunehmen waren. Aus einem einfachen Grund: Alle Orchester waren zu diesem Zeitpunkt gerade mit Aufnahmen für Filmmusik beschäftigt und unsere Samplesessions konnten so direkt im Anschluss daran aufgezeichnet werden, und zwar mit den dadurch gerade besonders hoch motivierten und wunderbar eingespielten Musikern direkt vor Ort. Die ausgeklügelte Mikrofonie erfolgte mit hochwertigen Fabrikaten wie Neumann und Schoeps, aber auch einigen sehr geeigneten Mikros aus osteuropäischer Herstellung, von deren Existenz wir vorher noch nie etwas gehört hatten. Die Positionierung der Mikros für den orchestralen Gesamtmix ergab sich zum Teil bereits aus den zuvor produzierten Filmmusiken und ist ein idealer Kompromiss aus der Hörperspektive des Orchesters bzw. Dirigenten und des Publikums. Im Ergebnis steht der Sound absolut überzeugend im, auch für den Hörer, zweifelsfrei echten Raum und bietet dennoch genügend Detailtreue hinsichtlich Bogenstrichgeräusch auch hinsichtlich der Sitzordnung der Spieler selbst für ein natürliches Stereobild.

Die Orchesterphrasen und Musikelemente wurden genau so aufgenommen und anschließend geschnitten, dass sie vielseitig für die verschiedensten Aufgabenstellungen und Projekte einzusetzen sind. Dabei stellen Phrasen mit einer Länge von 30 Sekunden und weit mehr keine Ausnahmen dar und können durch einfaches Verschieben und Schneiden direkt dem aktuellen Bedarf angepasst werden. Eine akzentuierte Dynamik ist oft gleich mit enthalten und kann wahlweise auch sofort auf Bild geschnitten werden. Dabei wurde sorgfältig auf die universell einsetzbare Mischung der vielfältigen Spielarten von Legato mit nicht hörbaren Bogenwechseln, Staccato oder Détaché berücksichtigt. Im Ergebnis bedeutet das, dass der Hörer niemals den Eindruck des echten Orchesters verliert. Die Editierung der Samples erfolgte mit besonderer Sensibilität. Gerade bei akustischen Instrumenten leidet sehr schnell der authentische Klangeindruck, wenn man Equalizer und ähnliche Prozessoren zu intensiv verwendet. Auf den Einsatz von Kompressoren oder Noise Gates wurde fast gänzlich verzichtet, um den subtilen Nebengeräuschpegel einer Konzertsaalaufführung nicht zu beeinträchtigen. Eine Ausnahme haben wir dabei allerdings gemacht: Die als Enhanced Orchestra Hits bezeichneten Samples wurden kompromisslos direkt so designt, dass sie bereits auf einfachen Tastendruck soviel Wumms erzeugen, wie es z.B. für Hollywood-Produktionen angefordert wird.

Schon während der Beta-Test-Phase mit hochkarätigen Filmmusik-Komponisten und Producern attestierte man Lautmalerei eine ungewöhnlich hohe Klangqualiät und einzigartige sehr brauchbare Samples. Gewünscht wurden dabei neben den o.g. Enhanced Orchestra Hits das Aufnahmerepertoire zusätzlich noch um spezielle Grand Piano Soundeffekte zu ergänzen. Da das Klavier seit der Romantik zum Orchester zählt, passen Soundeffekte, die mit den Saiten erzeugt werden, im Kontext sehr gut. Hier griffen wir zur Nahmikrofonie eines qualitativ hochwertigen Konzertflügels im mittelgroßen Studioraum, um das Grundrauschen auch ohne den Einsatz von Noise Gates sehr gering zu halten. Nur so bleiben die nuancierten Ausklingphasen der Klaviereffekte in ihrer Natürlichkeit erhalten. Vom Ergebnis waren wir dann selber angenehm überrascht und es entstanden viele sehr gute Piano SFX, sortiert in S, M und XL Länge.

Um dem Anwender von Lautmalerei die Suche nach geeignetem Material so kurz wie möglich zu gestalten, entschlossen wir uns dann zusätzlich zum CD-Booklet zu einer ungewöhnlichen und besonders aufwändigen mehrseitigen Dokumentation in DIN-A-4 Querformat, die als PDF-Datei dem registrieren User zur Verfügung steht, direkt und übersichtlich am Bildschirm und zum Ausdrucken in Großformat. In über zehn Tabellenspalten sind sämtliche Einzelsamples gelistet, wiedererkennbar benannt, mit Längenangaben in Sekunden, MB-Größe, BPM soweit notwendig, einer nachvollziehbaren Kategorisierung in Stimmungen und weiteren Merkmalen, die den Einsatz im zeitknappen Praxisalltag zum schnellen Vergnügen machen. Die CD-ROM selbst ist im weit verbreiteten Format Akai S3000, das von nahezu jedem gängigen Sampler gelesen werden kann. Für all die, die keinen üppigen RAM-Speicher im Sampler oder Computer haben, wurden dann noch einige Construction Kits zusammen gestellt, deren einzelne Elemente speicherökonomisch recht kurz sind und zusätzlich noch geloopt wurden, um ohne Ladezeiten problemlos verschiedene Elemente zu kombinieren und damit schnelle Musik-Layouts zu arrangieren.

Making of: The Second Wave VST

History

In the late 80ies there was one synthesizer for pad sounds and wavesequences: The Korg Wavestation. With an uncomparable strength in moving sounds and amazing wavesequence rhythms the instrument is a class of it´s own. As a successor of the SCI Prophet VS, already built by a part of the Wavestation development team, this great synth is featuring only a tiny 4 MB waveform ROM but with about 500 instrument and waveform samples and multisamples and one-shots. Additional waveform card-sets were available. The Wavestation sound character is very unique and considering the small waveform ROM size the extremely well-done sample selection is an ingenious work still today.

“In times of software synthesizers and sampleplayers we should make something like that,” William said during the very first virtual meeting I´ve ever had with him back in 2002. We´ve talked about the challenge to create a VST synthesizer inspired by the famous Wavestation and we both were highly interested to make it. But there were several other products to develop at this time and after all the idea disappeared from the daily schedule.


First product concept

Two years later William came up with the Wusikstation VST and this was my intention for a closer look back to the old idea about using samples like a Wavestation. As a computer-based synthesizer there are no waveform memory capacity limits, so we could instantly kick the limit of 4 MBs for the total waveform ROM size and checked our sample archive for appropriate instruments and samples according to the original factory sample name list. We tried to find similar samples in our archive and decided to make them large enough for today´s demand. The first result was a 40 MB set of fine samples, perhaps 700 samples/multisamples. Not bad for quick download and quite enough to recreate the famous sound character. At least all instruments and sampletypes of the original waveform ROM were covered with similar or even better samples. Now we´ve had a decent number of samples and percussions to recreate the typical moving sounds and wavesequences with the Wusikstation. And it would be a nice sample source for a couple of completely new sounds too.


Name branding

Concerning a cool product name for this add-on I´ve asked the professional marketing and name branding expert Kathrin Elfman www.elfman.de, she´s my wife btw. Kathrin already created the name EVE for Dashsignature and again I thought that she would come up with a perfect idea. Next day her proposal was: “The Second Wave”. Simple but effective and without touching any trademarks of other companies this name considers the tradition of the Wavestation as well as the new sound potential to go a step ahead in sounddesign.


Sample development

But there was one open file: We were not certain to leave the new 40 MB waveform set as it was at this point. Although we´ve already had many new samples there was still the option to include far more samples to expand the potential for this kind of sounds dramatically. But instead of only being a kind of virtual Wavestation-lookalike this would include a completely new sound universe. We were in doubt what the users would prefer: A lookalike or a new and “improved version”.

What to do to make the right decision? “We could start a user poll at the kvr forum with the options close to the original sample-set or a larger one,” I´ve proposed in a mail to William. The result of the Wusikstation user poll was clear: “Make it larger!”

OK, we went back to our sample archive and added several variations and completely different instrument models and synths to each group and category. We didn´t stop too early and after hours and days of selecting we´ve had the final content of 1800 multisamples and samples with a total size of about 400 MB now. Uuh, this is 10 times more than previously planned. But we were fine with everything though. The final set includes following categories:

Grand Piano
E-Piano
Clavinet
Chromatic Percussion
Bell FX
Tuned Percussion
Organ
Acoustic & Electric Guitar
Plucked Instruments
Bass
Strings
Orchestrals
Brass
Vocals
Vocoder
Wind Instruments
Synths
Synth Waveforms
Design Waveforms
Acoustic & Electronic Drums
Assorted Percussion
Wavedrum
Digital & Analog SFX
Analog Filter Zaps
Enhanced Orchestra Hits
Noise
E-Vox Environs


Sample mastering

Now it was time for the individual editing process. Having the right samples is one thing, the making of proper 1.0 versions of all samples in the target format is something different and the unexpected number of 1800 samples made the job very time consuming. With the big help of William and his good ears to detect any hickup sustain-loop or zero attack or missing fine tune the whole job was done within some weeks. He also converted all WAV samples to wusik format. And the next step quickly appeared on the to-do list: Preset making.


Voicing

The Wusikstation is rather popular in the world of VST instruments and as there were already some rumours about “The Second Wave” we were a bit under time pressure. Release date should be very soon, but Preset making based on a huge amount of samples is again a time consuming process. We would need a lot of help to make it and so we hired several sounddesigners from different countries for the factory voicing. Here they are:

Simon Cann, www.noisesculpture.com
Tim Conrardy, www.algomusic.nl
Stephen C. Ford
Jeremy Janzen www.finalfloyd.com
Jan Nemecek, www.jannemecek.net
Klaus-Dieter Pollack, http://groups.yahoo.com/group/fmheaven/
William, www.william-k.com

After a few weeks of work an acceptable number of inspiring and useful Presets were done, and the sounddesigners did a really great job! Their creations are covering many musical styles and sounddesign ideas, some mp3 examples can be downloaded here www.bitr.wusik.com. The sound potential of “The Second Wave” is good for more than 500 cool Presets and actually there is no reason to stop then. Some of the sounddesigners are already in progress with more Presets and we´ll add them later as update. Maybe we can also collect new Presets created by Wusikstation users during the following months to increase the amount of available Presets.


Documents

Finally the documents had to be done, a both category and alphabetical listed 30+ page PDF with all samples and Presets. The PDF file can be opened while using the Wusikstation, this makes the work very easy when searching for specific Presets and samples. Of course it´s possible to print out the pages for a hardcopy.

For complete details, Preset and sample list, audio mp3 tracks please visit the product page www.bitr.wusik.com.


Future

“The Second Wave” can be updated with more Presets and samples as well. Comments and suggestions are welcome and will be considered in the future.


Epilogue

Although I´ve did many sample productions through the last ten years “The Second Wave” is something very special for me and I want to thank all involved musicians, sounddesigners and programmers for all contributions and consulting to make “The Second Wave” a handsome tool for music production. Hopefully you will have a lot of fun when using it for your music.

Wednesday, February 22, 2006

Famous Bruce Swedien Tipps

Ques - 1. Background Vocals: What's a typical treatment? Delays, harmonizer, cross delay etc.??? Different treatments for different harmonies? How to create a good R&B background sound?

Ans - I always try to think of how a record that I am doing will sound ten years from now. Will a processing device of today make it sound hopelessly dated in the future? I realize that that is hard to judge and I have no crystal ball to listen to. Think of it like this, it would be like doing a recording ten years ago and using one to many wah-wah pedals on the guitar parts. Don't put one to many processors on the music just because the effects are in the control room.

By keeping the musical 'sense' of a piece of music uppermost in our minds, the music that we record today will sound just as good years from now as it does to us today.

Now I’ll try and be as direct as I can with this answer. Here is an explanation of how I would record a vocal group of four or five singers. The singers are positioned facing each other. The mikes are placed close together, back to back about four inches apart or less. This method of keeping the mikes close together allows some mixing of sound to occur acoustically. It also gives good phase coherency so that when the mix is heard monaurally there will be no change in balance or quality.(Phase coherency is achieved by keeping the mikes close together so that the sound sources arrive at the two mikes at about the same point in time thus minimizing phase distortion.)

I will record a basic vocal track using two channels of the multi- track recordng device, one mike on each track. I would then ask the singers to step back from the mikes about two feet or so and record a "stack" or double of the original part. This also would be recorded in discrete stereo on two channels of the multi-track. It is very important to carefully watch the volume levels of the individual vocal tracks. Keep the levels on the individual vocal tracks as consistent as possible. By having the singers step back from the mikes during this vocal pass, in order to keep the track levels consistent, we are forced to raise the volume level of the two mikes on this pass, thus giving greater acoustical support to the sound.

Very often, in vocal recording, I hear a lot of single, monaural tracks merely panned either left or right in a half-hearted attempt at stereo sound. All this really creates is left and right mono and has nothing to do with the support of music.
I call this technique "Two-Channel Monaural". "Two-Channel Monaural" has absolutely nothing to do with stereo recording and affords little or no acoustical support to the recording. The additional effort and planning required to preserve real stereo and the acoustical support it provides is well worth it. Frequently when recording vocal duets, I will look for microphones for the vocalists that have an obviously different sonic character. This difference in microphone character will add to the already different timber of the two voices and make the resulting sonic picture more fascinating.

Ques - 2. Drums: What's some of your favorite reverb treatments for drums? Types, pre-delays, lengths? How much do you high pass you cymbals/hats?

Ans - My favorite reverb for drums is my AMS - RMX. I will normally use the ambience program with about a 100ms pre-delay to allow the early reflections to be heard. I generally use a high-pass setting of about 100 hz for all drums except the kick....

Ques - 3. Lead Vocals: Do you prefer close micing or micing from a distance? Examples? What reverb would you throw up on say a 75bpm vocal ballad? Pre-delay, time, early reflections? Plate? Hall? What's your favorite reverb for lead vox?

Ans - Generally speaking, I love close miking for lead vocals. My favorite reverbs for lead vocals are my EMT 250 or my EMT 252. I also use my Lexicon 480L pr my Lexicon 224XL.

Ques - 4. Mix Bus: I often find that carving a little 1k from the entire mix often warms up my digital recordings a little. When mixing digitally do you ever eq the mix bus? If so give us an example?

Ans - I almost never EQ the mix buss. Those of you who have been to my lectures or seminars aleady know that I use little or no limiting or compression!

Thanks for your good questons. Later....

I had to respond to this because it's very interesting, and it shows that at least there are a few in this forum that are truly interested is high-quality music recording - - ->"100ms pre delay on drums sounds surprising. When I use a long pre-delay on drums I usually get a noticable and undesirable "slapback" effect. There must be a generous amount of early reflection in that to smooth that over or is the reverb attack somehow muted?"

Answer ->100 ms is close to the SHORTEST reverb pre-delay that I would use! More often than not, my pre-delay amount would be in the order of 125 to 132 ms! Try that setting for pre-delay on vocal or orchestral parts as well....

The reverb attack is NEVER muted!!!

Here's what happens.... (I'll start by saying that you need a pretty nice acoustical space to record in.)

Early relections are something that I have always considered “The Forgotten Factor” of acoustical support, when it comes to high quality music recording. (Except in my recordings! I always give early reflections a great deal of thought and consideration).....

The thing that is always apparent to my ear is that the quality of early reflections when generated in a room is quite different - (And vastly superior) to the so-called "early reflectiions" that would be generated artificially.(If you can)

So, if we have well-recorded sound sources, with good 'Early reflections", what you want to do is to open up the PDL, or make the PDL larger in number, to accommodate the early reflections. If you have done a good job of recording your sound-source, if you don’t have PDL in the reverb you’ll mask these beautiful early reflections. And those early reflections are a very important component of sound, very important.

Our ability, as music listeners to localize the direction and to form some judgment of the distance that we are from a sound source, under ordinary conditions of listening, is really a matter of common experience, so when we listen directly to an orchestra, we form a sense of spacial relation to the instruments of the orchestra. And to me this has always meant that this spacial character of the sound gives to the music a sense of depth and extensiveness. It’s what I would call an attempt to preserve the music in true auditory perspective, so this makes it necessary for us to record some sort of stereophonic reproduction not merely virtual left right intensity differences, but a sense of space.

I’ve always felt that to me music is three dimensional. Recorded music in order to be interesting and different sounding to the ear, from ordinary music recordings, must have three dimensions not just two dimensions. The dimensions are of course, left, right but the third dimension is depth. This is the most difficult to achieve in modern recording, so it is imperative that it be there. If it isn’t, the sound tends to be very monochrome and very dull and uninteresting.

Unfortunately most of recorded sound falls into that category, but it is possible to achieve depth and width at the same time.

This is a subject that I feel very passionate about. It would take too much time and space to go into now....(In addition, from what you have been posting here and elsewhere, I don't know if your collective heart is in the right place. You folks seem to talk alot about the hype and the baloney!!! Is that all you can think about?)
I could go on, but.......

Bruce Swedien
Ques - 1. Background Vocals: What's a typical treatment? Delays, harmonizer, cross delay etc.??? Different treatments for different harmonies? How to create a good R&B background sound?

Ans - I always try to think of how a record that I am doing will sound ten years from now. Will a processing device of today make it sound hopelessly dated in the future? I realize that that is hard to judge and I have no crystal ball to listen to. Think of it like this, it would be like doing a recording ten years ago and using one to many wah-wah pedals on the guitar parts. Don't put one to many processors on the music just because the effects are in the control room.

By keeping the musical 'sense' of a piece of music uppermost in our minds, the music that we record today will sound just as good years from now as it does to us today.

Now I’ll try and be as direct as I can with this answer. Here is an explanation of how I would record a vocal group of four or five singers. The singers are positioned facing each other. The mikes are placed close together, back to back about four inches apart or less. This method of keeping the mikes close together allows some mixing of sound to occur acoustically. It also gives good phase coherency so that when the mix is heard monaurally there will be no change in balance or quality.(Phase coherency is achieved by keeping the mikes close together so that the sound sources arrive at the two mikes at about the same point in time thus minimizing phase distortion.)

I will record a basic vocal track using two channels of the multi- track recordng device, one mike on each track. I would then ask the singers to step back from the mikes about two feet or so and record a "stack" or double of the original part. This also would be recorded in discrete stereo on two channels of the multi-track. It is very important to carefully watch the volume levels of the individual vocal tracks. Keep the levels on the individual vocal tracks as consistent as possible. By having the singers step back from the mikes during this vocal pass, in order to keep the track levels consistent, we are forced to raise the volume level of the two mikes on this pass, thus giving greater acoustical support to the sound.

Very often, in vocal recording, I hear a lot of single, monaural tracks merely panned either left or right in a half-hearted attempt at stereo sound. All this really creates is left and right mono and has nothing to do with the support of music.
I call this technique "Two-Channel Monaural". "Two-Channel Monaural" has absolutely nothing to do with stereo recording and affords little or no acoustical support to the recording. The additional effort and planning required to preserve real stereo and the acoustical support it provides is well worth it. Frequently when recording vocal duets, I will look for microphones for the vocalists that have an obviously different sonic character. This difference in microphone character will add to the already different timber of the two voices and make the resulting sonic picture more fascinating.

Ques - 2. Drums: What's some of your favorite reverb treatments for drums? Types, pre-delays, lengths? How much do you high pass you cymbals/hats?

Ans - My favorite reverb for drums is my AMS - RMX. I will normally use the ambience program with about a 100ms pre-delay to allow the early reflections to be heard. I generally use a high-pass setting of about 100 hz for all drums except the kick....

Ques - 3. Lead Vocals: Do you prefer close micing or micing from a distance? Examples? What reverb would you throw up on say a 75bpm vocal ballad? Pre-delay, time, early reflections? Plate? Hall? What's your favorite reverb for lead vox?

Ans - Generally speaking, I love close miking for lead vocals. My favorite reverbs for lead vocals are my EMT 250 or my EMT 252. I also use my Lexicon 480L pr my Lexicon 224XL.

Ques - 4. Mix Bus: I often find that carving a little 1k from the entire mix often warms up my digital recordings a little. When mixing digitally do you ever eq the mix bus? If so give us an example?

Ans - I almost never EQ the mix buss. Those of you who have been to my lectures or seminars aleady know that I use little or no limiting or compression!

Thanks for your good questons. Later....

I had to respond to this because it's very interesting, and it shows that at least there are a few in this forum that are truly interested is high-quality music recording - - ->"100ms pre delay on drums sounds surprising. When I use a long pre-delay on drums I usually get a noticable and undesirable "slapback" effect. There must be a generous amount of early reflection in that to smooth that over or is the reverb attack somehow muted?"

Answer ->100 ms is close to the SHORTEST reverb pre-delay that I would use! More often than not, my pre-delay amount would be in the order of 125 to 132 ms! Try that setting for pre-delay on vocal or orchestral parts as well....

The reverb attack is NEVER muted!!!

Here's what happens.... (I'll start by saying that you need a pretty nice acoustical space to record in.)

Early relections are something that I have always considered “The Forgotten Factor” of acoustical support, when it comes to high quality music recording. (Except in my recordings! I always give early reflections a great deal of thought and consideration).....

The thing that is always apparent to my ear is that the quality of early reflections when generated in a room is quite different - (And vastly superior) to the so-called "early reflectiions" that would be generated artificially.(If you can)

So, if we have well-recorded sound sources, with good 'Early reflections", what you want to do is to open up the PDL, or make the PDL larger in number, to accommodate the early reflections. If you have done a good job of recording your sound-source, if you don’t have PDL in the reverb you’ll mask these beautiful early reflections. And those early reflections are a very important component of sound, very important.

Our ability, as music listeners to localize the direction and to form some judgment of the distance that we are from a sound source, under ordinary conditions of listening, is really a matter of common experience, so when we listen directly to an orchestra, we form a sense of spacial relation to the instruments of the orchestra. And to me this has always meant that this spacial character of the sound gives to the music a sense of depth and extensiveness. It’s what I would call an attempt to preserve the music in true auditory perspective, so this makes it necessary for us to record some sort of stereophonic reproduction not merely virtual left right intensity differences, but a sense of space.

I’ve always felt that to me music is three dimensional. Recorded music in order to be interesting and different sounding to the ear, from ordinary music recordings, must have three dimensions not just two dimensions. The dimensions are of course, left, right but the third dimension is depth. This is the most difficult to achieve in modern recording, so it is imperative that it be there. If it isn’t, the sound tends to be very monochrome and very dull and uninteresting.

Unfortunately most of recorded sound falls into that category, but it is possible to achieve depth and width at the same time.

This is a subject that I feel very passionate about. It would take too much time and space to go into now....(In addition, from what you have been posting here and elsewhere, I don't know if your collective heart is in the right place. You folks seem to talk alot about the hype and the baloney!!! Is that all you can think about?)
I could go on, but.......

Bruce Swedien


> Found in the music producer´s forum.

Thursday, September 30, 2004

Josh Moore Adventures IV

Lt. www.heise.de/news1293 hatte Chowning in den 60er Jahren bereits eine kleine Nebenerfindung gemacht. Er wollte ja zwar lediglich seine Computermusik mit Vibratoeffekten etwas besser klingen lassen und beschäftigte sich deswegen mit Frequenzmodulationen, betrachtete aber in Wahrheit die Nano-Technologie als die bessere Idee. Seine Hamsterräder in Mikromillimetergröße waren schnell gebastelt, es fehlten nur noch die passenden Hamster, und die mussten auch noch richtig schnell in die Pedale treten können, für einen "Oszillier-Effekt". Nun war es so, dass Josh Moore damals mit seinen Eltern frisch von London nach L.A. umgezogen war und er sich gleich mit Nagoyuki Suzuki angefreundet hatte, dessen Vater bei Yahama arbeitete. Josh hatte, wie in England üblich, Tierversuche schon als Schulfach und einen kleinen Comic mit miniaturisierten Hamstern gezeichnet, die heimlich die Welt erorberten. Nagoyuki dachte aber, in England wäre das schon Wirklichkeit und erzählte das seinem Vater. Mit dieser neuen Erkenntnis machte man sich bei Yahama schnurstracks an die Arbeit. Der Öffentlichkeit sagte man dann später, das "ist eine neue Synthesizertechnologie", um Ärger mit Tierschützern zu vermeiden. Na ja, irgendwann kommt alles raus.

Josh Moore Adventures III

Josh Moore war mal wieder in Gedanken und merkte gar nicht, dass die Popcorn-Maschine ein mehr als deutlich wahrnehmbares Aufmerksamkeitsdefizit hatte. "Gigasoft meldet einen Gewinnsprung für das 3. Quartal. Die Aktionäre haben trotz der Übernahme von Sonicplaytronic Widerspruch...", mehr hörte Josh nicht aus den TV-Speakern, die Popcorn-Maschine poppte ihre jetzt unübersehbaren Ergebnisse bereits Richtung Küchenboden, und dagegen hatte der Berufsästhetiker nun wirklich was, der Kater Scoobie dagegen überhaupt nicht. Mache ich was grundsätzlich falsch? überlegte er und da ereilte es ihn: "Update!"

Josh war beinahe fassungslos, ja genau, so müsste seine Musik erst so richtig einträglich werden. "Ein Song ist nett, ein Film-Score erst recht, aber nur ein sattes Update lässt die Kasse klingeln!"

Gleich morgen früh würde er damit beginnen, die Schublade mit bisher unvollständigen Songs mit einem anständigen "Update" aufzumöbeln und so dem Verlag gegen einen kleinen, aber sehr feinen Aufpreis anzupreisen. Bessere Noten, klarere Lines, noch mehr groovender Bass, das alles sollte mit dem Begriff "Update" prima zu vermarkten sein. Endlich war das Zauberwort gefunden, das aus belanglosem Zeug erst einen Geniestreich werden ließ. "Das mache ich jetzt alle 6 Monate!" schwor sich Josh noch schnell, bevor er vor lauter Hunger mal kurz zu Jack In The Box zischen musste, um einen ordentlichen Crispy Burger mit Curly Fries zu verdrücken für 2.99. "Ich sollte das unbedingt auch Nagoyuki erzählen." dachte er noch, aber langsam wurde es ihm schon wirklich etwas schwindelig vor lauter Glückseligkeit, die Zahlen waren kaum noch genau zu erkennen und ...

Josh Moore Adventures II

"Sind Sie Mitglied der Komponisten-Gewerkschaft?" fragte der Behandschuhte und Josh Moore antwortete:" Ich bin Mitglied der Vereinigten Staaten, jawoll!" Und drehte dem komisch bebrillten Mann einfach den Rücken zu. Sollte der doch mal denken, was er wollte. Es kam in den letzten 30 Jahren mehr als einmal vor, dass ihm jemand was von "Die machen´s aber nicht mehr lange" und "Könnte das die Kaugummi-Verkäuferinnen im Kino arbeitslos machen?" vorgejault hat. Er war es trotzdem einfach leid. Das Jammern der alleinerziehenden Mütter über 40 genauso wie die Jaule über den gesetzlich nicht abzuwendenden Höchstsatz Pflegegeld für Selbständige. Langsam kam es ihm vor wie in einem Fiebertraum, die Farben veränderten sich, und es war kalt und heiß gleichzeitig. Dann lange Pause.

"Jooooosh!" hörte er von ganz weit fern und es hörte sich fast an wie Nagoyuki. Von dem hatte er schon länger nichts mehr gehört, was macht der eigentlich gerade?

"Atme ganz ruhig, Du bist ganz ruhig, Dein Herz schlägt gleichmäßig." beschwor ihn Nagoyuki mit sanfter Stimme immer und immer wieder und es fiel auch ihm nicht leicht, sich in der Intensivstation aufzuhalten. Er hasste Krankenhäuser, auch wenn sie in klimatisch angenehmen Breitengrad-Zonen gelegen waren.

"Alles klar, ich bin on top!" sagte Josh plötzlich. "Kein Problem mehr, wir sind im guten alten 2022 und die Drummer sind echt und auch ganz sicher Humans. Die Robots machen den Dreck weg, so wie sich das gehört." Nagoyuki lehnte sich entspannt zurück und orderte zwei gen-unmanipulierte Orange Juice Drinks und genoss die "paradiesischen Verhältnisse", so wie er sich immer zu artikulieren pflegte. Babylon war ja auch schon verdammt lange her ...

Josh Moore Adventures


Nun ja, die Medienwelt gedruckt, die virtuelle Online und dann als Kontrapunkt die Musiker in echt, das sind schon fast drei paar Schuhe auf einmal, nicht wahr?

Mal rein spaßeshalber angenommen ein frisch aufgekaufter Her- oder Wegsteller hätte eine unglaublich lustige neue Produktidee, die ersten Skripts wären auch bereits in der Pipeline. Der Scheff bittet also die Werbeagentur um ordentliche Vorschläge für´s Marketing.

Die sagen: "Hey, einen angesagten Endorser dürfte das haben, wäre mal was komplett völlig ganz neues." Da fragt der Scheff dann sofort seine gutbezahlten Lakaien bei der täglichen 9.30-Konferrenz und die zucken arbeitsvertragsgemäß mit den Schultern parallel mit Kopfnicken. Keine Ahnung von gar nichts also in Cinemascope.

Da ruft das Kaffee servierende und etwas unterbezahlte Laufmädchen lächelnd froh gelaunt ganz laut und irgendwie unbekümmert "Keyboards Forum! Hat 3 Mios Site Impressions." in die Runde und sämtliche Köpfe gehen auf 90 Grad Position. "Schölermann, das ist ihre beste Idee seit dem letzten Hit von 84: Schlammcatcher vom Mars." sagt Scheff und tätschelt schwarzrandbebrilltem Zehplusprogrammierer, mit zusätzlicher Auszeichnung in Assembler, ersatzweise die Hüfte. "Lassen wir die komischen Juhser doch einfach selber ihren Helden küren, und der Mann verlässt mir dann den Raum nicht ohne einen unterschriebenen Vertrag."

9.2.04, NAMM Show, Anaheim. Produktpräsentation mit Josh Moore, dem derzeit angesagten Multi-Instrumentalisten und Filmmusic-Composer von "Alessandria - The whole story, and the completely very true one". Seine Begeisterung über the product (Kommentar: "...to my everlasting joy they´ve made it - finally!") gegenüber den Medien ist kaum zu bändigen, die carreer wäre goa nüx ohne des noie tool. Der Vierfarbaufkleber vom Film mit coolem s/w Foto des Music Makers auf der Retail-Box kommt im Discount-Markt dann auch wirklich sehr gut an.

To be continued ... ;-)